Structures: solo show by Somenath maity

Dr. Ved Prakash Bhardwaj

I got the opportunity to see Somenath Maity's paintings for the first time in 2015 at the Visual Art Gallery in Delhi. Before that I had seen some of his works in group exhibitions and on Facebook, but a solo exhibition is the most appropriate opportunity to know and understand an artist. At the very first time, it felt as if the unfolding or rather dissolving forms of the architecture of urban civilization bound in colours had appeared like a mystery. And today, after about ten years, I met his art once again in the same Visual Art Gallery. It was like meeting an old friend. One pleasant thing about this experience was that this time I got the opportunity to see his sculptures which he has displayed for the first time.

The exhibition title, Structures, captures a central theme of Somenath Maity's artistic evolution and resonates deeply with his four-decade-long journey. His shift from experimentation to embracing urban structures as symbols of civilization marks a significant phase in his artistic expression. Instead of depicting these grand buildings realistically, Somenath filters them through an abstract lens, highlighting their symbolic essence rather than their physical form.

Another notable thing about Somenath's paintings is that most of his canvas is covered with such structures that when viewed separately, they give the impression of a complete painting. Viewing his painting as a whole is a different experience, but there are many of his paintings that give a complete and different experience when viewed in just one part of them.

His experience of moving from a small village in Bengal to the bustling metropolis of Kolkata appears to have profoundly shaped his artistic perspective. The contrast between the crowded human existence and the imposing, sometimes overwhelming, concrete architecture of the city deeply influences his work. The city, which he calls a "jungle of people and concrete buildings," becomes a source of inspiration for exploring the paradoxes of urban life—its beauty, alienation, chaos, and harmony.

In his paintings, Somenath translates these observations into a visual language that abstracts the forms of buildings, weaving together geometric and organic elements to express the energy, contradictions, and fluidity of city life. The tension between structure and chaos, solidity and movement, runs through his work, giving it a distinctive visual appeal that invites viewers to engage with the complexities of modern urban existence. This approach likely allows him to express not just the physical architecture of the city but the emotional and psychological landscapes that urban living creates.

Somenath's emphasis on the interplay of colours and strokes in his abstract depictions of urban structures adds a dynamic layer to his exploration of Kolkata's cityscape. By focusing on these elements, he transforms the solid, often rigid forms of buildings into fluid, expressive compositions. The strokes likely mirror the energy and movement of city life, while the colors reflect the contrasts and moods he observes in the urban environment.

The fluidity of his strokes may capture the tension between the order of architectural structures and the chaotic flow of human life within the city. Colours, in turn, could represent the emotional and visual contradictions of Kolkata—vibrant and lively on one hand, overwhelming and imposing on the other. Through this approach, Somenath communicates the complexities of modern life without relying on literal representation, using abstraction as a means of evoking both the beauty and dissonance he perceives in urban spaces.

This focus on colours and strokes must give his work a rhythmic, almost musical quality, where the buildings are more than static forms—they pulse with life, just like the city itself. Somenath's colour palette has also changed a bit lately. Green and blue sky with their mysterious atmosphere is still present in many paintings. Deep blue and green sky is found in very few artists' works. Along with this, the use of dark brown and black along with other light colours makes the painting attractive. He records the presence of light in his art in a different way which is often seen through contrasting colours or the transparency of the same colour as a light tone. Somenath works with a spatula but he also uses other tools for texture. All the forms he has are in abstract style, like a solid opaque element. Only here and there, a glimpse of light is seen in them or there is a group of colours which seems to be communicating with each other or giving a sense of a kind of social relationship with each other. Behind this are his childhood memories of the village and the noisy life of Kolkata which records a kind of contradiction.

Somenath's artistic process is deeply intertwined with the fluidity and rhythm of colours. His mastery in blending vibrant hues suggests a dynamic interplay where colours are not just static elements but are alive, merging, separating, and creating lyrical compositions. The way he allows tones to emerge and dissolve gives the impression of movement, almost like a dance on the canvas. Each stroke seems to capture the maximum emotional and visual impact of colour, making his work feel alive and pulsating with energy. His technique must create a mesmerizing visual rhythm, where colours aren't just visual but almost auditory in their lyrical harmony Somenath's sculptures, with their monumental quality and fluidity, seem to embody a unique blend of solidity and movement, offering a dynamic presence that captivates viewers. The idea of liquidity in sculpture suggests that his forms are not rigid but appear to flow, almost as if they are caught in a moment of transformation or emergence. This sense of movement could evoke an emotional or narrative depth, giving the sculptures a life-like quality. By deeply connecting his sculptural forms with cultural and mythological references, Somenath appears to be channelling a rich heritage into his work, grounding his contemporary expressions in timeless stories and symbols. The monumental nature of the pieces, combined with the fluid forms, likely conveys the enduring influence of mythology while reinterpreting it for the modern viewer. This blend of tradition and modernity could make his sculptures both striking in scale and profound in meaning.

रंगों रेखाओं का संगीतः उमेश कुमार सक्सेना की कला प्रदर्शनी

उमेश कुमार सक्सेना का कला संसार

ब्रश रंग को साथ लेकर अपनी यात्रा पर निकलता है और कितने ही ख़्वाब आकार लेने लगते हैं। और यदि रंग सिर्फ़ काला हो तो वह कविता में बदल जाता है। उमेश कुमार सक्सेना की पेंटिंग्स और ड्राइंग्स कविता की तरह हैं। इनमें पक्षी दिखाई देता है, हवा में उठा हाथ नजर आता है, दोनों गतिशील हैं। जीवन की गतिशीलता इनमें दिखाई देती है। कोई तीन दशक पहले उनकी कला से पहला परिचय हुआ था। वो पहला परिचय आज फिर से जैसे जिन्दा हो गया है। लखनऊ की कला स्रोत आर्ट गैलरी में 11अगस्त 2024 को जब उनकी एकल प्रदर्शनी ' म्यूजिक और कलर्स एन्ड लाइन्स ' शुरू हुई तो सामने व्यक्ति पुराना था पर कलाकार नया। म्यूजिक मैजिक होता है, उसमें एक चमत्कार होता है। उमेश जी की कला में संगीत की कोमलता और शांति भी है और जादुई आभास भी। उनके रंग और उन रंगों से बनते मूर्त या अमूर्त रूप किसी जादू से कम नहीं हैं। इस प्रदर्शनी में शामिल चित्रों को संगीत का जादू भी कला जा सकता है। रंग और ब्रश स्ट्रोक की न्यूनता, जो उमेश जी की पहचान थी वह तो इस प्रदर्शनी में उपस्थित थी ही, एक नई पहचान और सामने थी जो पहली पहचान से अधिक स्वतंत्रता और चेतन दिखाई दे रही थी। उमेश जी की चित्र रचना में अमूर्तन हमेशा एक पक्ष रहा है पर अमूर्तन सम्पूर्ण पक्ष हो जाएगा, इसकी कल्पना कभी की नहीं थी, पर अब यह हो चुका है।

रंगों की हल्की परतों के साथ भूदृश्य उनकी एक पहचान रहे हैं जिनमें अक्सर पर्वतीय शांति और गंभीरता केंद्र में रही है। कई बार वह ऐसे दृश्य रचते रहे हैं जो किसी एक अर्थ या छवि तक सीमित न रहकर अर्थ और छवियों कि श्रृंखला बन जाते हैं। ऐसे ही तेरह चित्रों की एक श्रृंखला इस प्रदर्शनी में भी है। नीले रंग की पृष्ठभूमि पर सफ़ेद रंग की कई पारदर्शी परतें मनुष्य, पशु, पक्षी और वनस्पतियों का ऐसा आभास रचती है जो दर्शकों को दृश्य से बांधती नहीं हैं बल्कि उसे दृश्य से मुक्त कर देती हैं। ऐसा लगता है जैसे आकाश में सफ़ेद बादलों के समूह अटखेलियाँ कर रहे हैं और नानाविध रूप में खुद को पहचान दे रहे हैं। प्रदर्शनी में आए दर्शक, जिनमें अनेक कलाकार थे, इन चित्रों को आपने अनुभव और संवेदना के अनुरूप कई नए अर्थ और संदर्भ के साथ देख रहे थे।

यही बात उनके नए अमूर्त चित्रों के बारे में कही जा सकती है जिसे लेकर दर्शक कलाकारों में गहरी उत्सुकता थी। गोल कैनवास पर पृथ्वी जैसी गोल संरचना में कहीं कहीं मानवीय चेहरे की उपस्थिति का आभास हो रहा थ पर उसके साथ जो ब्रश के चंचल गतिशील बोल्ड स्ट्रोक्स जो जाल बना रगे हैं वह देखने वालों को कई दिशाओं में ले जाते हैं। मूलतः ब्रह्माण्ड में होने वाली गतिविधियों, उसमें होने वाले परिवर्तनों को केंद्र में रखकर इन चित्रों की रचना की गई है। यह एक नए उमेश कुमार सक्सेना का उदय है जो किसी भी परिचित रूप या उसके आभास से मुक्त होने की राह पर है। ब्रह्माण्ड की ऊर्जा और गति को उन्होंने एक कलाकार के रूप में देखने - दिखाने की कोशिश की है। यहां उन्होंने ऐसी रंग योजना का अधिक प्रयोग किया है जिसमें खगोलीय घटनाओं की चमक के साथ ही उसकी रहस्यमय धूमिल छवि भी सामने आती है। रूप की गति और मुक्ति यहां अरुप में प्रत्यावर्तित हो गई है। और यही जीवन है, जीवन जो रूप में नहीं उसके होने में होता है, और जीवन का होना गति और मुक्ति की अनवरत प्रक्रिया है।

उनकी ड्राइंग्स की अलग से चर्चा करना जरूरी है। मैं एक तरह से पहली बार उनकी ड्राइंग्स से मिला। यह मिलना ही था, एक ऐसे व्यक्ति से मिलना जिससे कोई तीन दशक से मिलता रहा फिर भी वह मिलना अधूरा ही रहा। वैसे किसी कलाकार से मिलना हमेशा अधूरा ही रहता है क्योंकि वह कभी भी पूरी तरह खुल नहीं पाता है। उमेश जी के साथ भी इस बार कुछ ऐसा ही अनुभव हुआ, जब उनकी ड्राइंग्स देखीं। रंगों के आभा मंडल से अलग काले रंग की अपनी दुनिया है जो किसी भी दूसरे रंग से अधिक संभावना रखता है। इसी काले रंग को लेकर उमेश जी एक या डॉ स्ट्रोक्स में ड्राइंग को रचते है। ज्यादातर पक्षी की आकृति उभरती है जो आपने पँख फैलाए उड़ती प्रतीत होती है। मुक्ति का, स्वतंत्रता की कामना यहां नए रूप में आभासित होती है। रूप के साथ बंधन को उमेश जी ने कभी स्वीकार किया था, यह तो नहीं कहा जा सकता पर उससे मुक्त होकर नए कलारूप में खुद को व्यक्त करना अवश्य नया लगता है। इस प्रदर्शनी में उनकी कुछ कैनवास पर की गई ड्राइंग्स प्रदर्शित हैं। पर मुझे उनकी कागज़ पर रची अनेक ड्राइंग्स को देखने का अनुभव मिला। -डॉ. वेद प्रकाश भारद्वाज

अशोक भौमिकः श्वेत-श्याम की स्वर्णिम आभा : डॉ. वेद प्रकाश भारद्वाज

क्या काले रंग से स्वर्णिम आभा प्राप्त की जा सकती है? ज्यादातर लोग कहेंगे- नहीं, पर एक कलाकार के लिए यह असंभव स्थिति नहीं है। एक कलाकार जो पिछले 50 वर्ष से लगातार काली स्याही से काम कर रहे हैं, कागज के साथ ही कैनवास पर रंग का प्रयोग करते हुए भी जिन्होंने काली स्याही को ही मुख्य बनाए रखा, उसके बारे में यह कहना गलत नहीं होगा कि उसने काले रंग को भी सुनहरी इबारतों में बदल दिया है, ऐसी सुनहरी इबारतें जिनमें हमारे समय की सबसे अधिक अंधेरी सच्चाइयां उपस्थित हैं। यह कलाकार हैं अशोक भौमिक जिन्होंने इस बात को प्रमाणित किया है कि कला का सौंदर्य से अधिक यथार्थ से रिश्ता होना चाहिए। अशोक भौमिक अपनी अलग शैली और प्रस्तुति के साथ ही सामाजिक प्रतिबद्धता के लिए जाने जाते हैं। उन्होंने अपनी कला में निजी अनुभवों को आधार बनाते हुए ऐसी छवियों को रचा है जो निजी होकर भी सार्वजनिक जीवन के यथार्थ को व्यक्त करती हैं। वैसे भी कला का अर्थ ही निजी का सार्वजनिक हो जाना है। जब तक कलाकार रचता है, वह उसकी निजी क्रिया है परंतु जैसे ही वह उसे किस भी रूप में प्रदर्शित करता है, वह सार्वजनिक जीवन का हिस्सा हो जाती है। अशोक भौमिक ने 1974 में पहली बार एकल प्रदर्शनी कानपुर में की थी। उनकी कला यात्रा के 50 वर्ष पूर्ण होने पर पिछले दिनों लखनऊ की कला स्रोत आर्ट गैलरी में उनके चुनिंदा कामों की एक प्रदर्शनी आयोजित की गयी। किसी एक प्रदर्शनी में अशोकजी के रचना संसार को बांध पाना मुश्किल है फिर भी प्रदर्शनी के क्यूरेटर राजन श्रीपद फुलारी ने उनकी लोकप्रिय श्रृंखलाओं के चित्रों का चयन कर एक बेहतर प्रदर्शनी प्रस्तुत की।

अशोक भौमिक का रचना संसार इतना विशद है कि उसे किसी एक लेख या प्रदर्शनी में समाहित कर पाना किसी के लिए भी संभव नहीं होगा। उनकी तकनीक की बात करें तो वह एक पूरी पुस्तक का विषय है। उनके विषयों की बाद करें तो प्रत्येक श्रृंखला पर एक पुस्तक तैयार की जा सकती है। वैसे यदि यह कहा जाए कि उनकी कला में विचार या विषय का महत्व इतना अधिक है कि वहां तकनीक का पक्ष अक्सर उपेक्षित ही रह जाता है। राजशाही, पूंजीवाद, मजदूर, पक्षी, राजनीति, सत्ता संघर्ष और इन सबके साथ आम आदमी की स्थिति को लेकर उन्होंने अनेक श्रृंखलाओं में काम किया है। जिस दौर में कलाकार कला में सौंदर्य की उपासना कर रहे थे, अशोकजी ने कला को आम आदमी और समकालीन यथार्थ की अभिव्यक्ति बनाया। यह उनके आंतरिक व्यक्तित्व का प्रतिबिंब है। कला अंदर से बाहर की यात्रा करती है। एक कलाकार अंतरमन में जो विचार और अनुभव आकार लेते हैं, उन्हें अपने समय को व्यक्त करने के लिए आधार बनाता है। कोई भी विचार अनुभव शून्य नहीं होता। अशोकजी ने अपने जीवन के आरंभिक दिनों में कानपुर में मजदूरों, श्रमिकों, गरीबों के जीवन को निकट से देखा है। इसी समय उनका झुकाव वामपंथी विचारधारा की तरफ हुआ जिसने उन्हें जीवन को देखने और समझने की आलोचनात्मक दृष्टि दी। यहीं से उनके अंदर एक कलाकार के साथ ही आलोचक का भी जन्म हुआ जो चीजों और स्थितियों को उनके बाह्य समीकरण और आंतरिक संरचनाओं के संदर्भ में देखता है। इससे उनकी कला कल्पना को यथार्थ की अभिव्यक्ति बनाने में सफल हुई।

भारतीय संस्कृति में कला व्यावहारिक जीवन से निसृत रही है। समस्त लोक और आदिवासी कलाएं जीवन के व्यावहारिक पक्षों से निर्देशित रही हैं। इसीलिए उनमें हम व्यक्त और अव्यक्त, दोनों तरह की अभिव्यक्तियां पाते हैं। जो साकार है वह व्यक्त है पर जो निराकार है या अदृश्य है, वह व्यक्त होते हुए भी अव्यक्त है। एक आकार के साथ अपनी बात को स्पष्ट कह देना जितना आसान है उतना ही मुश्किल है बिना किसी परिचित आकार के उस बात को कहने की कोशिश जो पूरी तरह खुल नहीं पायी है। यही कला की अव्यक्त स्थिति है जिसे अमूर्तन कहा जाता है। लोक कलाओं में इस व्यक्त और अव्यक्त का प्रदर्शन सामान्यतः अलग-अलग ही दिखाई देता है पर आधुनिक कला में कई कलाकारों ने दोनों को इस कुशलता से संयोजित किया है कि देखते ही बनता है। अशोक भौमिक की कला में यह गुण दिखाई देता है। वह अपनी चित्र रचना विधि में मूर्त और अमूर्त दोनों प्रविधियों का प्रयोग करते दिखाई देते हैं। उनके यहां जो मानवीय व दूसरे रूप हैं वह संरचनात्मक स्तर पर अमूर्तन का प्रभाव लिए हुए हैं। इससे उनके चित्रों का वैचारिक पक्ष अधिक प्रबल हो जाता है और रूप वहां केवल विचार का वाहक बन जाता है। यही उनकी कला की सबसे बड़ी ताकत है। समकालीन जीवन की विभिन्न स्थितियो- सामाजिक, राजनीतिक, सांस्कृतिक, आर्थिक आदि को उन्होंने आलोचनात्मक दृष्टि से रचा है। इस रचाव में एक विशेष बात यह है कि उन्होंने अपनी कला को आलोचनात्मक तो बनाया परंतु उसे कभी नकारात्मक नहीं होने दिया। उनकी कला में जो जीवन स्थितियां, पूर्ण या आंशिक रूप में, व्यक्त हुई हैं वह जीवन के होने के महत्व और उसके संघर्ष को व्यक्त करती हैं। इस संघर्ष में मनुष्य पराजित होता भले ही दिखाई दे पर निरुत्साहित या निरुपाय नहीं है। उसका संघर्ष लगातार चलता रहता है। ऐसा इसलिए भी है कि अशोक भौमिक अपनी कला को दिवास्वप्न बनने से बचाते हुए उसे यथार्थ के निकट रखना पसंद करते हैं।

अंधकार और प्रकाश, दोनों ही यथार्थ है और दोनों की उपस्थिति ही जीवन को संभव करती है। एक कलाकार अपनी कला में जीवन के अंधकार और प्रकाश को अभिव्यक्त करता है। कभी किसी कृति में अंधकार अधिक होता है तो किसी में प्रकाश। अनेक कलाकारों ने जीवनभर प्रकाश की रचना की है। ऐसे कलाकारों का कला दर्शन है कि कला का उद्देश्य लोगों को सुखद अनुभूति देना है। इस तरह के कलाकारों ने प्रकृति चित्रण और भूदृश्य चित्रण में सम्पूर्ण जीवन व्यतीत कर दिया। अनेक कलाकारों ने मानव चित्रण में प्रकाश यानी सकारात्मक चित्रण को, जीवन के सुंदरतम पक्ष के चित्रण को ही अपना अंतिम ध्येय बनाकर काम किया। इस तरह के कलाकारों की रचनात्मक क्षमता और उनके महत्व से इनकार नहीं किया जा सकता। सुंदरता के सब खरीददार हैं, फूल हर किसी को चाहिए कांटे कोई नहीं चाहता। सबको जीवन में हर प्रकार, का हर स्तर का प्रकाश चाहिए। लेकिन नींद के लिए रात का अंधकार चाहिए, नीरवता चाहिए। यदि अंधेरा नहीं होगा तो प्रकाश का अस्तित्व भी न पहचाना जाएगा। इसीलिए ऐसे कलाकारों का अलग महत्व है जो अपनी कला के माध्यम से जीवन में अंधकार और प्रकाश, दोनों की उपस्थिति से जीवन में नए अर्थ की संभावना को दिखाते हैं। अशोक भौमिक की कला ऐसी ही कला है। यह काम वह विषय और संरचना, दोनों के स्तर पर करते हैं। अपनी क्रास हैच (जाली) शैली में वह चित्र में हैच की सघनता और क्षीणता से अंधकार और प्रकाश की अनुभूति कराते हैं।

अशोक भौमिक की कला रेखाओं की यात्रा कही जा सकती है। प्रत्येक लाइन की अपनी यात्रा होती है। हर एक लाइन अपने साथ विचार और भावनाओं से भरी अनेक कहानियां लेकर चलती है। अकेली लाइन भी कुछ कहती है पर जब अनेक लाइनें आपस में मिलकर एक सामाजिकता स्थापित करती हैं तो वह बहुत कुछ कहती हैं। अशोक भौमिक की लाइनें कुछ ऐसी ही हैं। काली स्याही से हल्की गहरी लाइन के साथ ही उन्हें आपस में जोड़ते हुए वह जिस प्रकार सतह को सघन और भारहीन हिस्सों में विभाजित करते हैं, वह सामाजिक संरचना के उस रूप को सामने लाता है, जिसमें असमानता, अन्याय, विभेद, एकाधिकारवादी सत्ताएं (राजनीतिक और सामाजिक दोनों) प्रबल हैं। अशोकजी इन स्थितियों के विरोध में ऐसे चित्रों की रचना करते हैं जिसमें शोषित-पीड़ित वर्ग लगातार एक चुनौती की तरह खड़ा दिखाई देता है। अँधेरे और उजाले के असंतुलित विभाजन की सामाजिक स्थिति अशोकजी के यहां प्रखर विचार की तरह सक्रिय दिखाई देती है। अपने चित्रांकन में आकृतियों को सही परिप्रेक्ष्य में रखने के लिए वह रेखाओँ के परस्पर संबंध में गहनता और न्यूनता का प्रयोग करते हैं।

अंधकार और प्रकाश, दोनों ही यथार्थ है और दोनों की उपस्थिति ही जीवन को संभव करती है। एक कलाकार अपनी कला में जीवन के अंधकार और प्रकाश को अभिव्यक्त करता है। कभी किसी कृति में अंधकार अधिक होता है तो किसी में प्रकाश। अनेक कलाकारों ने जीवनभर प्रकाश की रचना की है। ऐसे कलाकारों का कला दर्शन है कि कला का उद्देश्य लोगों को सुखद अनुभूति देना है। इस तरह के कलाकारों ने प्रकृति चित्रण और भूदृश्य चित्रण में सम्पूर्ण जीवन व्यतीत कर दिया। अनेक कलाकारों ने मानव चित्रण में प्रकाश यानी सकारात्मक चित्रण को, जीवन के सुंदरतम पक्ष के चित्रण को ही अपना अंतिम ध्येय बनाकर काम किया। इस तरह के कलाकारों की रचनात्मक क्षमता और उनके महत्व से इनकार नहीं किया जा सकता। सुंदरता के सब खरीददार हैं, फूल हर किसी को चाहिए कांटे कोई नहीं चाहता। सबको जीवन में हर प्रकार, का हर स्तर का प्रकाश चाहिए। लेकिन नींद के लिए रात का अंधकार चाहिए, नीरवता चाहिए। यदि अंधेरा नहीं होगा तो प्रकाश का अस्तित्व भी न पहचाना जाएगा। इसीलिए ऐसे कलाकारों का अलग महत्व है जो अपनी कला के माध्यम से जीवन में अंधकार और प्रकाश, दोनों की उपस्थिति से जीवन में नए अर्थ की संभावना को दिखाते हैं। अशोक भौमिक की कला ऐसी ही कला है। यह काम वह विषय और संरचना, दोनों के स्तर पर करते हैं। अपनी क्रास हैच (जाली) शैली में वह चित्र में हैच की सघनता और क्षीणता से अंधकार और प्रकाश की अनुभूति कराते हैं। क्रास हैच आज अशोकजी की पहचान बन चुकी है। शुरु में उन्होंने श्वेत-श्याम चित्रों की ही रचना की। बाद में जब उन्होंने कागज और कैनवास पर रंगों का भी प्रयोग शुरु किया तो उसमें भी काली स्याही से क्रास हैच को ही प्रमुख रखा। उन्होंने कई चित्रों में आंशिक रूप से लोक कलाओं की चित्र संरचना को भी अपनाया, विशेषरूप से लोक जीवन के चित्रण के लिए। उनके रचना संसार में घनवादी शैली की आंशिक उपस्थिति भी दिखाई देती है। मानव शरीर के अकादमिक सिद्धांतों को एक किनारे करते हुए उन्होंने जीवन की तनावपूर्ण स्थितियों को व्यक्त करने के लिए शारीरिक संरचना को अर्धअमूर्त शैली में रचा है। डॉ. वेद प्रकाश भारद्वाज

कला का होना

 कला का होना

कला अब होने में नहीं है बल्कि उसे कला प्रमाणित करने की सफलता में है। और यह सफलता अब रचना पर नहीं अन्य दूसरी बातों पर निर्भर होती है। अवधारणात्मक कला रचना के वस्तु-तत्व में नहीं विचार में होती है। एक कलाकार अपने विचार को किस तरह और किस रूप में प्रस्तुत कर रहा है, और वह रूप क्या किसी तरह का सौंदर्यबोध रखता है, अब इसका कोई अर्थ नहीं रह गया है। कला उस विचार में है, अवधारणा में है जो कलाकार के मन व मस्तिष्क में है। यानी कला अब एक भौतिक तत्व की जगह वायवीय हो गई है। हालांकि आज भी कैनवास, शिल्प आदि का महत्व समाप्त नहीं हुआ है पर कला में अन्य रूप और प्रदर्शनों का दस्तावेजीकरण अधिक महत्वपूर्ण होता जा रहा है। इसे हम सुबोध गुप्ता, सुदर्शन पटनायक, रियाज कामू, जितिश कल्लात सहित तमाम कलाकारों के काम में देख सकते हैं।

A view on the art of Ambadas Khorbogade

 

Occur - search – surprise

A view on the art of Ambadas

 

Ved Prakash Bhardwaj

 

It has been very difficult for me to say or write anything about the art of Ambadas. It is very difficult to express his creativity in words. Young artists are often questioned about his technique. Many even tried but could not succeed. Each artist develops his technique with his mental and emotional abilities, but he also knows that technology does not make art. Yes, we can say that Ambadas practiced his technique in the same way that a saint practices mantras.

 

Ambadas Khorbogade has been famous for his unique technique and his impact. Born in Akola, Ambadas taught art at Sir J. J. School of Art. He was one of the founders of the group1890 of artists. For Ambadas, art was both simultaneous and performed. Understanding life in its depth, playing with it, and then mixing it all together was an artistic treat for Ambadas. Art is a kind of game of lines and colors, through which he used to see life in a new way and in totality. Nothing was empty for him anyway. He used to say that everything is full and that is why he used to take art as a gaiety. Creating representative or descriptive pictures would rarely have been his goal. He was a member of ‘group 1890’ a group of non-figurative artists formed in 1951. Art was a constant discovery and wonder for him. And this discovery used to go on every day. There would hardly have been a day in his life when he would not have created anything. He used to draw when he was not painting. With the dance of the lines, his pen used to move from one end of the surface to the other, sometimes with more and less pressure, giving the impression of shapes that can be called biological shapes at first sight. On looking at his sketches and oil paintings, it seemed at first evidence that the fractured human beings are floating in the air, being weightless and disoriented by their weight.

 

In his oil paintings and sketches, the linear movement in undefined but few visible shapes is converted into creative energy. The dynamism and weightlessness of the shapes in his paintings can be called a blissful transformation of liberation in a way. As if life group is dancing in a fixed range, canvas and paper border. It has many forms, all different but still one. The contingency of the shapes was his pictorial language. It was a language that can be said to have opened the philosophical side of life.

 

There is no doubt that he did not give any kind of descriptiveness to his creation world, yet his abstract shapes reflected human shapes. The reason for this was probably that they considered art not separate from life, but with it. That is why for him art was a kind of euphoria. He kept creating the world, not in its evidence, but its real essence. Here he has lines and brush strokes parallel to each other, sometimes cutting each other, sometimes dark, sometimes lightly overlapping each other, as if they are hugged.

There was no place for the formal discipline of picture composition in his creative world. There was no place for formalities even in his life. Whenever he used to come to Delhi, I would often meet him in some art gallery. Without any formality, he used to meet everyone as if they were old acquaintances. From his art to contemporary art, he kept talking informally many times. Seeing and appreciating the work of young artists is one aspect of his character that made him comfortable with all the artists.

The rotations in his paintings and illustrations and the light-colored weights reminded some of the kinetic art. He may have studied kinetic art during his travels abroad and had some influence on him, but his work had a deep connection with Indian cave paintings and tribal art. The abstract shapes in his paintings resemble paintings carved by an anonymous artist in caves or a surprise prodigy of a tribal artist. And this is also natural because Ambadas himself used to call art a surprise discovery. He said that art is a quest that rarely ends for me. Once in an informal conversation, he said that for him art is a continuous journey in which he keeps trying to find something every day.

The subject and element had no importance in his art life. An element or other shape was like a point of departure from one place to another. To understand his art also, we have to see what has happened between these departure points and what is going to happen. His paintings can be called explosions of energetic power in a way. He was deeply obsessed with the final image in his paintings. By the way, every artist keeps but with abstract painters, it also happens that they are not very sure about the final result in painting, but it was not so with him. Looking at their pictures it seems as if they were painting knowing the conclusion. Even upon entering his art world, we find that he is practicing the same shape by repeating at different levels, like a saint doing holly practice while continuously chanting the same mantra. His paintings also feel a kind of texture. He converted lines and textures to a shape like a weaver. This was probably because he was related to the weavers. He worked with them.

 

अंजुम सिंह की कला

 

अंजुम सिंह की कला

(यह लेख 2005 में युवा कलाकरों पर लिखे एक लंबे लेख का हिस्सा है जिसमें मामूली परिवर्तन के साथ प्रस्तुत कर रहा हूं। -वेद प्रकाश भारद्वाज)

समकालीन दुश्चिंताओं की अभिव्यक्ति है अंजुम सिंह की कला जिसमें पानी की काली बोतलों से लेकर रोजमर्रा काम में आने वाली चीजें और उनके अक्स उनके काम को नये अर्थ देते हैं। शांति निकेतन में पेंटिंग की शिक्षा प्राप्त करने के बाद उन्होंने कोनकर्न स्कूल ऑफ आर्ट वाशिंगटन, अमेरिका में कला की शिक्षा प्राप्त की। अमेरिका निवास ने उन्हें कला को जीवन के और निकट ले जाने का संस्कार दिया। उनकी कृति "बंपर टू बंपर' जहां महानगरीय जीवन की एक प्रमुख समस्या यातायात जाम की अभिव्यक्ति है तो "वार्मी वाटर' जल प्रदूषण एवं संकट को नये अर्थ प्रदान करती है। "स्पिट' और उसके बाद "स्पिल' (विभाजन/विस्तार) समकालीन जीवन में सामाजिक एवं मानसिक संकटों को व्यक्त करती है। "कोला बूम' और "पेस्टल ऑफ प्लास्टिक' (इंस्टालेशन) भी आधुनिक संकटों की अभिव्यक्तियां हैं।

अंजुम सिंह के काम को हम जीवन की प्रतिक्रिया कह सकते हैं। दैनदिनी अनुभवों को वे अपनी पेंटिंग और इंस्टालेशन का आधार बनाती हैं। कुछ लोगों को अंजुम का काम समझने में दिक्कत होती है फिर भी वे उसके दृश्य-प्रभाव को ग्रहण करते हैं। अंजुम के काम में जो सामाजिक सरोकार हैं, वे भी लोगों को आकर्षित करते हैं। कम उम्र में ही अंजुम ने कला को सामाजिक चेतना से जोड़ना शुरु कर दिया था और इसीलिए उनसे और भी अच्छे और सच्चे काम की आशा की जाती रही। यह कहना गलत नहीं होगा कि उन्होंने इस आशा को भरसक पूरा भी किया। हालांकि कई बार उनका काम अमूर्तन की दिशा में अधिक बढ़ता लगता था, विशेषरूप से उनकी प्रदर्शनी "स्पिल' के काम में, पर वे अपनी बात को देखने वालों तक पहुंचाने में सफल रहती हैं। किसी तरह के सच का बयान का उनका दावा नहीं था। वे कहती थीं, "सत्य कुछ नहीं है, जो कुछ है वह केवल अपनी-अपनी व्याख्या है।' 

अंजुम बहुत अधिक काम करने में या बहुत प्रदर्शनियां करने में यकीन नहीं रखतीं थीं। वे कहती थीं, ‘मेरा यकीन अधिक काम करने या अधिक दिखने में नहीं है। जैसे-जैसे आप बड़े और परिपक्व होते जाते हैं चीजों के प्रति आपका दृष्टिकोण भी बदलने लगता है। जैसे आज मेरे लिए सृजनात्मक संतोष अधिक महत्त्वपूर्ण है बजाय अधिक काम करने के। इसका मतलब यह नहीं कि मेरे लिए प्रदर्शनियां कोई महत्व नहीं रखती हैं, दरअसल मैं जब तक काम को प्रदर्शित नहीं करती जब तक कि मुझे उससे संतुष्टि न हो जाए।’